El juego de la verdad y la ficción, Party Girl de Claire Burger
Party Girl surge de la colaboración entre Claire Burger, Marie Amachoukeli-Barsacq y Samuel Theis, cuya madre es la protagonista. Esta película casi constituye un experimento, cercano al documental, en tanto que sus actores son los protagonistas reales de la historia que representan y con ella el equipo ha logrado en Cannes la Cámara de Oro y el premio al mejor reparto.
La película se centra en un momento clave de la vida de Angelique, madre de Theis, su boda. Angelique ha pasado su vida como bailarina de un cabaret cercano a la frontera con Alemania y ahora tendría la oportunidad de casarse, dejar la vida nocturna y desempeñar un rol materno más tradicional. Sus familiares y amigos la instan a ello, pero finalmente se rebelará contra un futuro que sabe que no logrará satisfacerla y se decidirá por seguir viviendo en los márgenes de lo establecido, sin culpabilidad, ni victimismo simplemente ejerciendo su libertad.
Entrevista con Claire Burger
Cristina Castro: ¿Cómo surgió este experimento?
Claire Burger: Esto ya lleva años, desde hace muchos años empezamos a trabajar con actores no profesionales en cortos en los que mostrábamos la historia de personas que representaban su propia vida, su propia historia. Hicimos un corto que se llamó For Bach y en este corto Samuel era el actor y también Angelique tuvo un papel, así que desde una etapa muy temprana hubo este proyecto de hacer un largometraje sobre la familia de Samuel a través de la historia de Angelique. Sin embargo, como ya habíamos hecho muchos cortos pudimos desarrollar un método que nos permitía mezclar lo real con la ficción y trabajar con actores no profesionales.
¿Cuál es la relación de la película con el feminismo bajo tu punto de vista?
Yo pienso que verdaderamente esta es una película dónde se muestra un feminismo pero sin militancia, la idea no era hacer política, sino que lo que nos atrajo es precisamente que Angelique era emblemática de una cierta forma de feminismo que nos pareció muy interesante porque no era victimismo, es decir, ella no se sentía explotada por la industria del sexo y por los hombres. Lo que nos interesaba mostrar era a una mujer fuerte, que asumía las decisiones que había tomado en su vida, a pesar de que fueran en contra de lo que sociedad quiere para una mujer. Por ejemplo, no crió a sus hijos o al final deja al que debería ser su marido aunque todos querían que se convirtiera en una mujer responsable que iba a dejar la fiesta y se iba a encargar de su familia. Al final ella es libre y por esto muestra una forma de feminismo, no es una visión que le imponen sino que ella permanece fiel a sus elecciones que asume hasta el final y por lo tanto se trata de un feminismo sin victimismo.
¿Por qué la elección de este estilo realista que se aproxima al documental para contar esta historia?
Yo creo que se trata de una cuestión de sensibilidad artística, hoy en día cuando las personas van al cine muchas veces lo que buscan es divertirse y ver cosas que están muy alejadas de su propia vida pero a los tres lo que nos interesaba más bien era mostrar una representación del mundo y de la vida que no tuviese esta distancia precisamente para que las personas se pudiesen reconocer en ella, para que se creara una proximidad con el personaje. Por eso nos ha interesado trabajar en este estilo ultrarrealista con actores no profesionales porque crea un sentimiento de identificación le da al espectador la idea de que el también podría contar cosas de su vida que podrían ser una buena historia y no necesariamente tienen porqué ser Hollywood, ya que alrededor de todos nosotros hay elementos que podrían constituir una buena historia para contar lo que pasa en el mundo.
¿Cómo fue el rodaje con actores no profesionales?
Algo que es muy particular en mis películas es efectivamente que hay personas que están interpretando su propio papel pero también hay personas que sin ser actores profesionales interpretan un papel que no es el de su vida propia. Esto lo hacemos porque cada vez que se ponen a interpretar este papel obtenemos inspiración, sin embargo todo está escrito y lo que es muy interesante es ver que en realidad se comportan como niños, no les damos unas líneas que se tienen que aprender de memoria y después recitar sino que más bien lo que hacemos es que les explicamos las reglas del juego y vemos como se comportan, que es como si fueran niños jugando al doctor o jugando a las comidas, de esta manera creen en su papel como si fueran niños y esto le da una sinceridad y una simplicidad enorme, porque las personas conservan su personalidad y esta autenticidad es algo que nos interesa mucho. Los personajes son capaces de tomar la palabra para hablar sobre ellos mismos y esto no sucede necesariamente con un actor profesional que más bien está haciendo una imitación, al mismo tiempo esto nos obliga a hacer ciertos sacrificios, por ejemplo, a nivel técnico, hay que ser muy sencillos para que los actores se sientan libres y cómodos y hay que limitar mucho la técnica. El equipo técnico está muy acostumbrado, saben que no se pueden poner marcas en el suelo, que hay que trabajar con luz natural para que así ellos se encuentren cómodos, al mismo tiempo trabajar de esta forma supone hacer algunos sacrificios a nivel artístico pero el beneficio es que esto pone al actor en el centro y nos aporta precisamente la autenticidad que buscamos.
